Santa Maria del Fiore (Florencia): Il Duomo

Esta bella catedral fue durante muchos años mi favorita (ahora dudo entre varias más). Me cautivó de ella su simplicidad decorativa, pero su complejidad constructiva. Es la tercera catedral más grande del mundo (por detrás de San Pedro del Vaticano y San Pablo en Londres)- según su propia web, aunque en Wikipedia afirman que es la quinta (por detrás también de Sevilla y Milán), aunque en su época fue la más grande construida hasta el momento. Mide 153 m. de largo, 90 en el crucero, y desde el suelo hasta el final de la linterna mide otros 90 metros.

La primera piedra se puso en 1296 y se finalizó la obra en el año 1436, año de su consagración como templo católico.

Es un templo de cruz latina, dividido en tres naves por pilares fasciculados, con crucero poco pronunciado y ábside semicircular, que alberga  cuatro capillas radiales. Junto a ella, tenemos el Campanile, torre que completa el conjunto.

En cuanto al alzado, podemos decir que está dividida en dos cuerpos, el inferior más alto y con ventanas alargadas y el superior más estrecho y con decoración de óculos. Ambos cuerpos están recubiertos por mármoles de colores (blancos y verdes) que dan el colorido característico de esta catedral.

Sin embargo lo más destacado de esta es su impresionante cúpula. Tiene un diámetro de 45’5 metros, y se alza sobre un tambor octogonal en cuyos ocho paños presenta un óculo. La cúpula está construida con ladrillo anaranjado, igual que el resto de construcciones de la ciudad, y es la primera que no utiliza un refuerzo de madera.

Se utilizó para construirla un doble cascarón -emulando la forma del Panteón-, el interior de forma semiesférica y el exterior apuntado, los nervios que podemos apreciar en el exterior, le sirven de refuerzo, así como las pequeñas cúpulas que observamos en su base.

La cúpula se remata con una linterna de 16 metros de altura, que sigue los cánones de los templos circulares de la Antigua Roma (como el templo de las Vestales). Es la primera vez que una linterna se realiza de tan gran tamaño, dándole personalidad propia.

Su autor, es Phillippo Brunelleschi, que fue elegido gracias a un concurso de la Corporación de la Lana de Florencia, algo habitual en la época. Esta obra es considerada la primera obra renancentista, lo cual le da un puesto honorífico en la Historia del Arte.

Esta obra tiene por tanto, influencias romanas (linterna y cúpula) y usan los precedentes góticos (los nervios). Servirá asimismo de influencia para la posterior construcción de San Pedro de Vaticano, la reina de las catedrales.

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Las pinturas de San Isidoro de León.

Las pinturas del Panteón Real  de San Isidoro han sido denominadas “La capilla sixtina del románico”, debido a su calidad y a su buen estado de conservación.

 El panteón se ubica en lo que fue el nártex de la Iglesia de san Isidoro y debe su nombre a que allí fueron enterrados 33 miembros de la Corte leonesa. Las seis bóvedas que cubren este espacio están decoradas con pinturas murales sobre fondo blanco. Podemos dividir todas las escenas mediante tres temáticas: la natividad, la pasión y la resurrección de Cristo.

    • Dentro de la Natividad encontramos: La Anunciación a los Pastores, donde destaca el naturalismo de la representación, incluyendo flora y fauna propia del monte leonés (cabras, ovejas, un mastín leonés, hojas de roble, bellotas, etc.). La Anunciación y la Visitación se encuentran a continuación, seguidas de la Huída a Egipto y la degolllación de los inocentes, con el rey Herodes sentado en su trono en el centro de la escena.

Anunciación de los Pastores. San Isidoro (León)

Anunciación. San Isidoro (León)

    • En la Pasión encontramos: La última cena y varias escena de la Pasión y Crucifixión.

La última cena. San Isidoro (León)

    • En la Resurrección vemos: la glorificación de Cristo como se explica en el Apocalipsis de San Juan, la entronización del año (el famoso calendario agrícola) que demuestra que Dios está presente en cada momento (Cronocrator) y el Pantocratorcon la representación de Dios con poder sobre todas las cosas. En él apreciamos a Cristo en Majestad (Maiestas Domini) sobre el arco iris envuelto en la mandorla mística y con las letras griegas alfa y omega en representación del principio y fin de todas las cosas. Con una mano bendice utilizando tres dedos (símbolo de la Trinidad) y con la otra sostiene el libro con la inscripción “Ego sum lux mundi”. Alrededor está el Tetramorfos (los cuatro evangelistas con sus nombres  -El ángel: Mateo; El león: Marcos; El toro: Lucas; El águila: Juan –  ).

Pantocrátor.

Calendario agrícola.

El calendario Agrícola.

El calendario agrícola se desarrolla en el intradós del arco y es la obra más conocida del Panteón:

  • Enero es Jano bifronte, que inicio el año nuevo y cierra el año viejo, simbolizado por dos puertas.
  •  Febrero es un anciano calentando el fuego porque es un mes frío.
  • Marzo es la poda de las vides.
  • Abril es un personaje que planta dos árboles.
  • Mayo es el mes de la guerra por lo que vemos a un personaje montando a caballo para ir a la batalla.
  • Junio es el mes de la siega, y vemos a un labrador segando la cebada.
  • Julio es un labrador segando el trigo.
  • Agosto es un labrador que maja la mies.
  • Septiembre es el mes de la vendimia.
  • Octubre es un hombre dando bellotas a los cerdos.
  • Noviembre es el mes de la matanza.
  • Diciembre es un personaje sentado a la mesa junto al fuego, celebrando la natividad.

Cine expresionista alemán y El gabinete del Dr. Caligari

Hace unos día tuve la genial experiencia de ver la película de “El gabinete del Dr. Caligari” de 1919. Como se trata de una obra del cine mudo, la proyección fue acompañada de música en directo de un piano, un violonchelo y un clarinete, lo que hizo que la actividad resultase aún más excepcional.

Esta película es considerada uno de los grandes clásicos del terror y además, una de las mejores muestras del cine expresionista alemán junto a  títulos como “Nosferatu” de Murnau. He de decir de entrada que no soy especialista en cine, ni mucho menos, por ello me voy a centrar en aspectos del film que me interesan, sin más.

El contexto histórico 

El contexto histórico de la creación de este film (1919) coincide con el final de la Primera Guerra Mundial y la firma de sus tratados de paz. Además, Alemania, país creador de este largometraje, es derrotada y declarada la causante del conflicto, imponiéndosele unas elevadas “reparaciones de guerra” (indemnizaciones económicas que debía pagar Alemania a los contrincantes del bando aliado).

El marco artístico.

A principios del siglo XX, en Alemania, surge un movimiento artístico denominado “Expresionismo” contrapuesto al concepto “impresionista” del siglo XIX. Este movimiento, defendía la necesidad de expresar sentimientos a través de la pintura, siendo esto de mayor importancia, que la propia técnica pictórica.  Su arte expresa una angustia vital constante. Fue asimismo un movimiento muy reivindicativo que denunciaba las injusticias sociales de la época, especialmente, el aumento de poder de la clase burguesa. Surgen dos grupos dentro del expresionismo alemán: El puente (1905) y El jinete Azul (1911).

Cinco Mujeres - KIRCHNER-

De el grupo de El Puente destacan pintores como Kirchner, Bleyl, Heckel y Schmidt-Rottluff, y más tarde se incorporan  Nolde, Pechstein, Van Dongen, y  Otto Müller.

Máscaras - NOLDE-

En cambio, en el grupo El Jinete Azul son de relevancia Wassily Kandinsky, Franz Marc,  Paul Klee y Von Jawlensky.

KANDINSKY

La película

El circumloquio anterior se debe a que lo más me llamó la atención de este film, fue la disposición escenográfica (Imagen 3) de sus escenas, imbuidas totalmente de este aire expresionista y, en algunos casos, entremezclada con elementos cubistas. No es de extrañar que no encontremos en toda la película ni un sólo ángulo de 90º, ni una línea horizontal (las verticales generan más sensación de movimiento e inestabilidad) y ni un atisbo de realidad en los espacios escénicos. Los maquillajes de los actores (Imagen 2) se asemejan a esas máscaras de Nolde (ver más arriba) y el juego de luces y sombras muy contrastadas (Imagen 1) lleva a un tenebrismo aún mayor. Veamos algunas imágenes del film.

Aquí os dejo un enlace donde podéis ver la película:  http://www.cinetube.es/peliculas/terror/el-gabinete-del-doctor-caligari_espanol-dvd-rip-megavideo-36983.html Disfrutadla y fijáos que incluso las letras del encabezamiento y los diálogos son muy expresionistas.

La pintura barroca francesa

El barroco es una de los periodos artísticos mejor conocidos incluso por los más ajenos al mundo del arte. Este arte se caracteriza por ser la antítesis de los valores clásicos, gracias al movimiento y la expresión de sentimientos. Se refleja en él un cambio de mentalidad con los valores de la Contrarreforma católica, la expresión de poder de las monarquías absolutas, la fragilidad del ser humano y la preferencia entre la apariencia en contraposición de la realidad (teatralidad).

El arte barroco es usado como una medio de propaganda por parte de la Iglesia Católica y de las monarquías absolutas, y dentro de este contexto, Roma será considereda “caput mundi“, o cabeza del mundo.

La pintura barroca francesa.

Dentro de la pintura barroca francesa encontramos dos escuelas: la naturalista, encabezada por George La Tour y los hermanos Le Nain; y otra clasicista, cuyos máximos representantes serían Poussin y Claude Lorrain.

La escuela naturalista.

A George La Tour lo podemos clasificar como un seguidor de Caravaggio. Sus pinturas tratan temas religiosos y de género, y sus composiciones juegan con volúmenes geométricos y planos. En sus cuadros apreciamos una luz envolvente, bien diurna como en San Jerónimo Penitente, El tahur , bien nocturno como en Los jugadores de dados, San José carpintero y San Sebastián cuidado por Santa Irene, en las que la luz emana desde el interior.

En cambio, los hermanos Le Nain – llamados Anthoine, Louis y Mathieu- realizan retratos, individuales o en grupo, y con un aire sensible. Esto lo apreciamos en obras como  La Comida de los Campesinos, La Forja o Campesinos con Paisaje. Su estilo influyó en pintores de renombre en el siglo XIX como Courbet o Millet.

La escuela clasicista.

Nicolás Poussin representará en sus cuadros los sentimientos humanos, pero de una forma serena, no exaltada, que era lo más habitual en el Barroco. Incluye en sus cuadros arquitectura con un sentido heroico y erudito. Por estas dos características lo podemos considerar clasicista. En su obra encontramos cuadros de tema mitológico, como El rapto de las sabinas, o de paisaje geométrico como Los pastores en Arcadia (Et in Arcadia ego).

Claude Lorrain es quizá el más conocido de los pintores barrocos franceses – también llamado Claudio Lorena. En sus obras encontramos paisajes sosegados con la luz crepuscular, arquitecturas clásicas y pequeños personajes que ayudan a crear la perspectiva. Sus obras más destacadas son Puerto de Ostia con el embarco de Paula Romana, Entierro de Santa Serapia, Puerto al atardecer; Puerto al amanecer, y Apolo y Mercurio.


Como habéis podido apreciar estos autores comparten muchas características entre ellos, y también con otros pintores de su época en otras regiones europeas (España, Italia), sin embargo, cada uno de ellos tiene un estilo propio que lo diferencia y lo hace irrepetible.