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Teatro Romano de Cartagena

En alguna otra ocasión hemos citado la importancia de Cartagena en el mundo antiguo, más conocida como Cartago Nova. Sin duda, su relevancia como colonia romana se la debe en parte a su puerto, en parte a la importancia de sus minas de plata.

Con la implantación de la colonia romana sobre las cinco colinas que forman la orografía de la ciudad, se construyó el teatro que ha perdurado hasta nuestros días.

Sus motivos ornamentales y epigráficos, nos permiten datarlo claramente en el siglo I a. C., es decir, justo en la época augustea que revitaliza las ciudades de las provincias romanas, sobre todo en las obras públicas.
Las gradas (cavea) de este teatro se disponen sobre la roca recortada de la colina de la Concepción, recubiertas por sillares de caliza gris. La cávea está estructurada en 3 sectores, divididos además por escaleras radiales.
La fachada o frente escénico tiene unas dimensiones de 45,80 m. de longitud y 7,50 m. de anchura. En su superficie se recortan tres exedras curvadas, lugar de las mismas puertas de acceso al escenario. El pulpitum, con nichos semicirculares y cuadrado, de 38,40 metros de longitud y 7,63 metros de anchura se halla dividido por dos muros longitudinales en tres fosos paralelos.

A ambos lados del escenario se ubican sendas habitaciones rectangulares que comunican tanto con el vestíbulo exterior como con el proscenio (en este último caso mediante tres vanos que reproducían el aspecto de una gran puerta monumental de tres arcos). La orchesta, de 22,90 m. de diámetro, está contorneada por los asientos reservados a los magistrados y personajes notables de la ciudad (distribuidos en tres filas más anchas con una escalera central de un metro de ancho), espacio privilegiado circundado por una balaustrada de mármol blanco que marcaba la separación con el graderío inferior.

La fachada escénica levantada sobre un podium de 15,5 m. de altura se articula en dos pisos mediante columnas rojizas apoyadas sobre basas doble áticas de mármol blanco y coronadas por capiteles corintios. Estilísticamente el conjunto de elementos arquitectónicos se vincula directamente con prototipos de la arquitectura oficial en época de Augusto. La escena con 450 metros cuadrados supera la del Teatro de Mérida de 437 m.

La investigación sobre la evolución del teatro de Cartagena:


En el momento actual de las excavaciones ha sido exhumado gran parte del graderío (la inma y media cavea), la orquesta completamente; y se está trabajando en el escenario de la construcción augustea, para desalojarla de añadidos tardorromanos.

Se han descubierto restos de un mercado de dicha época (S. IV-V d. C.) que aprovecha para sus cimientos el frente de la escena, construido tras la destrucción del Teatro Romano (fines de s. I d. C.). A la destrucción del mercado, fruto de los asaltos visigodos, sucedió la ocupación bizantina de la plaza y conversión de esta área en zona de asentamiento de la guarnición imperial.

Tras la conquista musulmana, esta zona de la ciudad, fuera de la acrópolis fortificada del castillo desarrollará la medina o arrabal de la ciudad, y posiblemente la mezquita musulmana se erigiera bajo la actual iglesia.

Finalmente con la conquista castellana se configura el definitivo barrio humilde de pescadores en esta zona de la ladera del castillo Concepción, configuración que ha pervivido hasta los inicios de las labores arqueológicas.

Resumiendo:

El teatro se encuentra situado en la ladera occidental del Monte de la Concepción, en un lugar destacado de tal forma que todo aquel que llegaba a la ciudad por mar observaba la majestuosidad de este edificio. Su situación estratégica le hace aprovechar las condiciones naturales para su construcción excavándose en la roca la mayor parte de las gradas que configuran la cavea y aparecen sólo los flancos laterales de las gradas centrales y superiores apoyadas sobre galerías.

Las dimensiones del teatro romano de Cartagena con 87,90 mts de cavea, 45,80 mts de longitud, 7,50 mts. de anchura en la fachada escénica y 22 mts. de altura hacen de él uno de los mayores de España superando al de Mérida.

Su construcción se ha datado en el 3 a. C., bajo el Imperio de Augusto y cuya intervención está relacionada tanto en su financiación como en su ornamentación.
En la actualidad continúan los trabajos de excavación del teatro así como el estudio y catalogación de los restos correspondientes a los diferentes estratos arqueológicos de la historia de Cartagena.

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Federació de Teatre Amateur de la Comunitat Valenciana

Asamblea 2008, 12 y 13 de marzo, Catral.

Dicen que una sociedad con una democracia avanzada se demuestra, entre otras muchas variables, por su nivel asociativo. que los ciudadanos se asocien con unos u otros fines, demuestra, como mímino, un mayor nivel de participación ciudadana en la vida pública.

En este sentido, podemos afirmar que la vida asociativa de la Comunidad Valenciana es bastante saludable, ya que cuenta en todos sus pueblos con numerosas asociaciones de todo tipo. Las más frecuentes son la de padres de alumnos (APAs), amas de casa y tercera edad, pero también son habituales asociaciones de discapacitados, de enfermos, de vecinos, de jóvenes, de excursionistas, y por supuesto, de teatro.

Las asociaciones de teatro amateur, normalmente se insriben dentro de las asociaciones de tipo cultural, aunque en algunos casos, se incluyen en el ámbito juvenil. Muchas luchan de forma individual para mirar por sus intereses, pero otras, decidieron hace ya muchos años, unirse en una federación que defienda con más fuerza los intereses comunes. Así es commo la Federación de Teatre Amateur de la Comunitat Valenciana debe celebrar anualmente una asamblea general (ordinaria, como todas las asociaciones, por supuesto) y para ello, cada año se elige (u ofrece) una sede diferente. Esta vez, Catral ofreció su ciudad para acogerla.

Durante este fin de semana, una veintena de grupos de teatro de toda la comunidad (algo más de un centenar de teatreros locos) han recorrido las calles de Catral, dejando honda impresión en los habitantes de esta tranquila villa. Para amenizar la asamblea, desde hace unos años se intenta motivar a los grupos camuflando un poco la burocracia en una convivencia, un intercambio de experiencias y una fiesta continua. Este año, un ficticio casting ha sido la excusa para que cada grupo asistente pudiera mostrar al resto una pieza de un musical.

Comienza con la recepción de el sábado por la mañana, casting, recibiento del alcalde, pasacalles, comida, visita guiada, entrega de los premios Tablas, obra del grupo organizador (Teatro Catral), cena, más casting, baile, dormir, desayuno, asamblea hasta la comida del domingo. Como véis, los asistentes no han tenido ni un sólo momento de tranquilidad.

Los acuerdos y desacuerdos que en dicha asamblea se tuvieron, es algo que quedará de puertas hacia dentro. Por cierto, el premio Tablas 2007 se ha concedido a la trayectoria del valenciano Pep Cortés, destacado en el mundo teatral como actor y director y también conocido en el mundo cinematográfico, con películas como “Son de mar”.

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Las tragedias de Shakespeare

Hacía ya tiempo que no dedicaba una espacio al mundo farandulesco y qué mejor que dedicárselo al más conocido dramaturgo de todos los tiempos. De todos es conocido William Shakespeare y sus obras han llegado al conocimiento de las masas más populares. Dejaremos de lado su faceta como autor de poemas y nos centraremos en su obra como dramaturgo. Dada la amplitud de obras escritas por este autor (algunos dudan que realmente las escribiera él todas) sólo veremos en profundidad las tragedias.

No quiero, sin embargo, dejar de citar que fue autor de magníficas comedias (El sueño de una noche de verano, La fierecilla domada, Mucho ruido y pocas nueces…) y de muchísimas obras históricas (Enrique V, Marco Antonio y Cleopatra, Julio César- que tiene una magnífica versión cinematográica de Mankiewicz...), aunque algunas de ellas corresponden también al género trágico.

La primera de sus obras Tito Andrónico, es la tragedia más cruenta de cuantas escribió con posteridad. Sus personajes principales son los que siguen:

* Tito Andrónico, gran general romano. Encarna el honor.

* Marco Andrónico, tribuno y hermano de Tito. Representa la lealtad a los suyos.

* Lavinia, hija de Tito y amada de Bassiano (hermano del Emperador). Personaje femenino que encarna la bondad y la pureza.

* Saturnino, Emperador de Roma. Representante del poder y del abuso del mismo.

* Tamora, reina goda, cautiva de Tito que se convertirá en Emperatriz de Roma. Personaje femenino que representa la lascivia, la avaricia y la perfidia, en definitiva.

* Aarón, siervo moro y amante de Tamora. Cruel y malvado antagonista. Es el anticristo en persona.

* Lucio, Quinto, Marcio y Mucio, hijos de Tito. Defensores del honor, cada uno a sus manera y sufridores de desgracias varias

* Alarbo, Demetrio, y Chirón, hijos de Tamora. Ejecutores del mal.

Con este reparto se sucede una historia de odios y traiciones de mentiras, luchas por el poder, locuras y demencias por las terribles desgracias y humillaciones, y, como guinda, una despiadada venganza. Una fantática versión cinematográfica que recomiendo encarecidamente es Titus, protagonizada por el genial Anthony Hopkins y Jessica Lange.

Le siguió la archiconocida Romeo y Julieta, eterna lucha entre los Montesco y los Capuleto, a pesar de la cual dos jóvenes pertenecientes a estas familias deciden amarse hasta la muerte. Y no debieron hacerlo, porque parecen destinados a cumplir su promesa. Con una serie de malentendidos jugando con la muerte, irremediablemente llegan hasta ella. Es una de las obras más representadas teatralmente, desde los centros escolares hasta el mundo profesional, pasando por los grupos amateurs de todo el mundo. Sus versiones cinematográficas también son abundantes, de las que aún no he visto ninguna que realmente me haya valido la pena. Si alguien la ha encontrado, que no dude en recomendármela.

Las más aclamadas fueron las cuatro escritas en los siete años que transcurrieron entre 1601 y 1608. A saber: Hamlet, Otelo, El rey Lear y Macbeth.

La historia de Hamlet, narra la necesidad de venganza de un hijo hacia su padre, anterir rey de Dinamarca asesinado por quien esposará a su mujer y se coronará en su reino. Contiene uno de los más brillantes monólogos masculinos del mundo teatral. Hay multitud de versiones cinematográficas sobre esta obra, pero me quedo, sin lugar a dudas, con la recientemente dirigida por Kenneth Branagh, que logra cpntar la historia con fidelidad al autor y con el dinamismo suficiente que el medio audiovisual require. Para mí, una obra de arte, menos reconocida de lo que se merece.

Otelo, el moro de Venecia, que a pesar de su raza no es presentado como un villano, sino que será yago, el antagonista de toda la trama. También ha sido llevada al cine y versionada para la ópera. Se trata de una obra llena de matices, con complejos personajes, desde los más importantes hasta los secundarios. Gran calidad.

El Rey Lear decide dejar la dirección de su reino en sus tres hijas, pero para ello las somete a prueba. Pronto se sentirá abandonado y sólo algunos fieles al rey intentarán devolver el reino a su antiguo propietario. La obra describe las consecuencias de la irresponsabilidad y los errores de juicio de Lear, y de su consejero, el duque de Gloucester. Finalmente, el poder queda en manos de la hija malvada y no a la bondadosa, Cordelia, quien muere en un final sobrecogedor, al igual que sus pérfidas hermanas y el oportunista hijo bastardo del conde de Gloucester.

En cuanto a Macbeth, hay quien piensa que esta tragedia fue obra de Thomas Middleton, pues tiene importantes similitudes son su obra La Bruja. Sin embargo, es una de las tragedias más populares del autor que nos ocupa. Está ambbientada en los sucesos históricos que acontecieron en Escocia hacia el siglo XI. Dos de sus temas recurrentes son la ambición y las visiones, que se repiten a lo largo de esta reputada obra.

Como características generales podemos encontrar, que en ellas el amor es una arma para el sufrimiento, la venganza y la traición como partes fundamentales de las vidas de los atormentados personajes y la muerte como destino de gran parte del reparto de la mayoría de sus tragedias. Se suele decir que en las tragedias shakespearianas “muere hasta el apuntador”.

Por último, os dejo con una gran frase de este autor:

“Es mejor ser rey de tu silencio que esclavo de tus palabras”

La semana que viene post especial primer aniversario y probablemente, cambio de look.

Os espero.

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La Casa de Bernarda Alba

- Drama de mujeres de los pueblos de España-

de Federico García Lorca

Trama y estructura:
Esta obra de Federico García Lorca es la obra más representativa del teatro español del siglo XX. Trata de Bernarda Alba que queda a solas con sus cinco hijas tras la muerte de su marido. La mayor de las hijas, fruto de un matrimonio anterior, es la única adinerada, por lo que Pepe el Romano la corteja y decide casarse con ella con el permiso de Bernarda. Varias de las hermanas están enamoradas de Pepe y la menor de ellas, Adela, mantiene relaciones con él. Al enterarse, Bernarda intenta reprimir a Adela y estalla la lucha entre el ansia de libertad, goce y alegría de la joven Adela con la autoridad, el poder y la rigidez de Bernarda. El enfrentamiento se da entre la ley individual y anárquica, encarnada en la sexualidad de Adela y la ley social, autoritaria de Bernarda que necesita reprimir dicha libertad. No son las únicas que entran en la lucha. Angustias sujeta a Adela diciendo: “De aquí no sales con tu cuerpo en triunfo” y acierta, ya que Adela no logrará salir de la casa. Martirio, tras haber mentido a Adela, confiesa al verla muerta: “Dichosa ella mil veces que lo pudo tener”.

La casa:

La casa es protagonista de la obra, no sólo por ser el único espacio escénico en el que se representa, sino por su papel simbólico. Es un lugar cuya función es aislar y encarcelar a quienes se encuentran en su interior. Se refieren a ella como presidio (sensación de enclaustramiento), infierno (por la ira y necesidad de salida) y convento (por ser un espacio cerrado sólo para mujeres con la prohibición de actos sexuales).
Bernarda:
Representa las convenciones morales y sociales unidas a la conciencia de pertenecer a una clase superior, un verdadero orgullo de su casta. Su bastó, simboliza su poder y su nombre es de origen germánico y significa “oso fuerte”. Su apellido también es simbólico ya que proviene del latín y quiere decir “blanca” (pureza que Bernarda busca en su hogar).

La Poncia:
Es la vieja criada de Bernarda, que es casi de la familia y se atreve a dar consejos, opinar y tutear a Bernarda. Sin embargo, de vez en cuando se recuerda la distancia que le separa de Bernarda: “Me sirves y te pago. ¡Nada más!”. Ella asume su condición “Soy perra sumisa”, pero está llena de rencor hacia Bernarda, como queda patente desde el primer acto. Con las hijas habla de forma abierta y desenfadada y muestra su sabiduría rústica y popular.
Las hijas de Bernarda:

Angustias: la mayor (39 años), heredera de una fortuna y escasa de otros encantos. Su matrimonio le vale como escape de la casa “Afortunadamente, pronto saldré de este infierno”, pero no tiene la ilusión de Adela o incluso Martirio.

Magdalena mezcla sumisión y margas protestas, hubiera preferido ser un hombre.

Amelia es el personaje más desdibujado, quizá por ser la más tímida y , medrosa.

Martirio no pudo casarse por la oposición de su madre, lo que puede explicar su resentimiento, pues por un lado dice “Es preferible no ver a un hombre nunca” y por otro lado esconde el retrato de Pepe el Romano.

Adela es vital y apasionada y valiente para asumir su “corona de espinas”.
Espacio y tiempo:

La obra posee una estructura clásica en tres actos y con una curiosa relación de espacio tiempo. En el primer acto estamos en una habitación blanquísima y es mediodía. En el segundo acto, la habitación tiene las paredes blancas y ya es por la tarde y el último acto sucede de noche y las paredes son casi blancas. Vemos un simbolismo en la desaparición progresiva del blanco (pureza) en la obra y por otro lado, se nos engaña con el tiempo ya que todos acontecimientos sabemos que no se dan en un solo día. Además hablamos de un espacio visible: la casa – represión, frustración sexual, prohibición- y otro aludido: el exterior – utopía de de la libertad y desde donde llegan noticias de goce sexual, campo, alegría…
Los colores:

Hay una clara simbología en el cromatismo de la obra. Los colores predominantes son el blanco (pureza, castidad, inocencia y virginidad) y el negro (luto, muerte, tristeza, apatía y dolor). Las paredes de la casa son blancas, los trajes de los personajes son negros, las camisas y el ajuar que bordan blancos, la foto de Pepe el Romano, en blanco y negro…
Aparecen eso sí ciertos objetos caracterizados por su color: el vestido verde de Adela y su abanico de colores, única hija que se rebela contra la dictadura del blanco y el negro, y la corona de flores de Maria Josefa, la abuela, que gracias a su locura también hace pequeñas trasgresiones. Por último queda la sangre, que con su color rojo refleja la pasión, la ira y la agresividad.

Aquí algunas páginas muy completas sobre la obra:

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autor

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